Cindy Lee - Diamond Jubilee

D'un peu nulle part, comme un signal mystérieux envoyé par un alien au cœur brisé, Diamond Jubilee a surgi et a conquis la scène indie, en avril dernier. Il est un peu compliqué d’expliquer le succès retentissant de ce deuxième album de Cindy Lee, l’alter ego drag de Patrick Flegel, dont on se souvient pour son rôle en tant que leader du groupe post-punk albertain Women. Enregistré entre Montréal, Toronto et Calgary, l’album de 32 chansons et un peu plus de deux heures n’est initialement paru que sur Youtube et sur un site Geocities. Pas le plus simple à trouver, dans l’écosystème musical actuel.

Pourtant, le pari fut réussi et la toile s’enflamma très vite, avec des critiques unanimes. Diamond Jubilee est une exploration des musiques populaires féminines du siècle dernier, passant d’un americana lo-fi envoûtant sur des chansons comme I Have My Doubts au rock nostalgique de If You Heard Me Crying. Cindy Lee est autant une manière pour Flegel de flex l’étendue de son talent en tant que guitariste, avec des solos rugissants qui happent et captivent, mais aussi son falsetto éthéré et androgyne qui évoque une large palette des grandes voix des années 70.

Partie pour la gloire avec Diamond Jubilee, Cindy Lee avait annoncé à la sortie de l’album que ce projet serait son dernier, et avait décidé d’annuler sa tournée qui affichait déjà guichet fermé cet été, incluant la date montréalaise. Ceci est donc probablement la fin pour Cindy Lee, qui offre ainsi un chant du cygne mémorable.

Billie Eilish - Hit Me Hard and Soft

À 21 ans seulement, la sensation planétaire Billie Eilish fait preuve d’une étonnante maturité, d’une émouvante vulnérabilité et d’une maîtrise totale de ses moyens. Elle oscille avec aisance entre différentes influences musicales, en parfait équilibre entre les chansons plus rythmées et dansantes (comme Birds of a Feather) et celles davantage planantes et introspectives (comme Skinny). Comme jamais auparavant, Eilish s’ouvre sur ce troisième album, son plus personnel et assurément son plus abouti. Tel un murmure, sa voix douce et vaporeuse apporte de l’intensité et de l’onirisme à sa musique.

Speed - Only One Mode

Quiconque a eu la chance de voir le groupe de hardcore australien Speed en spectacle cette année peut en témoigner: c'est probablement le band le plus excitant de la scène en ce moment. Lorsque je les rencontrais aux Foufounes Électriques en octobre dernier, ils apprenaient que Only One Mode, leur premier album studio, était nommé au ARIA, équivalent australien des Grammys, dans la catégorie 'Meilleur album heavy rock ou métal', un honneur qu'ils se sont vu décerner le mois suivant.

Sur cet album, Speed ne fait aucun compromis; du début à la fin les riffs vous martèlent, les percussions vous frappent au ventre, et la basse offre juste assez de groove pour optimiser vos options de danse dans le mosh pit. Oh, et il y a de la flûte traversière, mais c’est anecdotique.

«On voulait former un groupe qui serait par Sydney, pour Sydney», me disait le vocaliste du groupe, Jem Siaow. C’est clairement reflété dans les paroles et l’éthique du groupe, du gang-core qui célèbre sa communauté et rappelle Bane ou Terror. Avec Only One Mode, Speed ont cimenté leur place en tant que fier porte-étendard du hardcore australien.

Beyoncé - Cowboy Carter

Beyoncé ne fait jamais les choses à moitié. Surtout pas lorsqu’il est question de rendre hommage à ses racines texanes, ce qu’elle fait magistralement sur cet ambitieux album de 27 titres. Malgré sa longueur – plus d’une heure et quart –, Cowboy Carter ne comporte aucun temps mort. Un travail de recherche méticuleux a été accompli en marge de la création de cette production parfaitement à cheval entre la pop moderne et le country. L'ensemble est rehaussé par des collaborations fructueuses avec les légendes que sont Willie Nelson et Dolly Parton, ainsi que des stars contemporaines comme Miley Cyrus, Post Malone et Shaboozey.

Mach-Hommy - RichAxxHaitian

Après trois ans sans nouvel album solo de l’énigmatique rappeur haïtien Mach-Hommy, il a finalement livré cette année Richaxxhaitian, un album qui le voit quelque peu délaisser les raps boom-bap et dépourvus de percussions qui ont fait sa signature et explore le rap contemporain dans toute sa variété. Comme chacun de ses albums, Richaxxhaitian est une célébration de l’héritage haïtien du rappeur originaire du New Jersey, qui a d’ailleurs fait appel au montréalais Kaytranada pour la pièce-titre de cet opus.

Rachel Chinouriri - What a Devastating Turn of Events

Active sur la scène indie-pop britannique depuis plusieurs années, Rachel Chinouriri livre avec What a Devastating Turn of Events un premier album à la fois intime et magnifiquement bien cousu. Porté par une production délicate et minimale, l’album mêle guitares éthérées, synthés atmosphériques et percussions feutrées, qui permettent à Chinouriri d'explorer des thèmes comme le deuil, les troubles mentaux et l’émancipation et la réalité d'être un enfant immigrant de première génération au Royaume-Uni, tout en insufflant une authenticité désarmante à ses récits.

Sa voix unique, douce et puissante, qu'elle a développée à force de se faire dire de chanter moins fort par sa famille, trouve sa place sur les arrangements minimalistes qui laissent toute la place à l’émotion brute. Des morceaux comme Never Need Me allient mélancolie et affirmation de soi, tandis que l’ensemble de l’album reflète son identité britannique noire et ouvrière, avec des touches de soul et d’indie folk. Salué par la critique, ce projet marque une entrée remarquable sur la scène globable pour Chinouriri, que l'on pourrait bien voir devenir la prochaine Avril Lavigne.

Tyler, the Creator - Chromakopia

Tyler, the Creator est un des artistes les plus singuliers de la planète pop. Sur ce huitième album, le rappeur éclectique se distingue par son amalgame parfaitement équilibré d’influences soul, jazz, afrobeat et R&B. Mais c’est surtout avec sa prise de parole que l'artiste nous touche droit au cœur. Le trentenaire se confie entre autres le fait de vieillir, l’absence de son père, la pression de fonder une famille et le désir sous toutes ses formes. Sur la puissante Hey Jane, il aborde avec délicatesse la question de l’avortement du point de vue des deux partenaires.

Vampire Weekend - Only God Was Above Us

Cinquième album studio de Vampire Weekend, Only God Was Above Us voit le groupe explorer leur propre héritage musical et identitaire, livrant leur album le plus introspectif et auto-référentiel à ce jour. Musicalement, l’opus revisite des sonorités familières—rythmes ska, chœurs baroques, et synthés scintillants—tout en leur apportant une fraîcheur qui a fait leur marque de fabrique. La réalisation, signée une fois de plus par Ariel Rechtshaid, flirte avec des touches jazzy et électroniques, créant une atmosphère d’étrangeté nostalgique, particulièrement sur des morceaux comme Connect.

Les textes d’Ezra Koenig, à la fois mélancoliques et mordants, s’interrogent sur le poids de l’histoire, la décadence de New York, et le vieillissement. Sur des chansons comme Gen-X Cops ou Hope, le groupe contemple le passage du temps avec une lucidité troublante, entre regrets et acceptation. Avec cet album, Vampire Weekend examine son passé avec une profondeur nouvelle, livrant une œuvre élégante et complexe, comblant les fans de longue date tout en étant résolument tourné vers l'avenir.

Mdou Moctar - Funeral for Justice

Dans ce qui est probablement le meilleur album de guitares de l'année, le virtuose nigérien Mdou Moctar offre sur Funeral for Justice un cri de révolte et un manifeste politique et musical. Dès les premières notes, la guitare hurle de colère, oscillant entre lamentations et fureur. Elle évoque des sirènes d’urgence et des appels à l'aide. Les paroles, en tamasheq, dénoncent avec une clarté tranchante l'exploitation des ressources africaines et le silence complice des puissances occidentales: «Pourquoi vos oreilles n'écoutent-elles que la France et l'Amérique ?»

Musicalement, l'album fusionne les rythmes effrénés des instruments touaregs traditionnels, comme la calebasse et le tehardent, avec une énergie rock brute qui frôle le punk.

Nick Cave & The Bad Seeds - Wild God

Après avoir exploré le deuil sur ses plus récents albums – dont le sublime Ghosteen –, Nick Cave accueille la joie avec Wild God. Sur la bien nommée Joy, un fantôme chaussé de souliers de course lui dit: «We’ve all had too much sorrow; now is the time for joy». Ce sentiment se traduit par des arrangements grandioses, où chœurs et orchestrations de cordes créent une magnifique lumière. Manifestement, le poète réputé pour son œuvre ténébreuse est toujours habité d’un espoir inébranlable en la vie, et ce, malgré les épreuves qu’elle a mises sur son chemin.